duminică, 20 septembrie 2020

Wong Kar-wai / Hong Kong / In the mood for love / 2046 /

 

Wong Kar-wai, n.1959 la Sanhai, China continentala. 

Emigrat in Hong Kong, impreuna cu familia, la varsta de 5 ani

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O iubire imposibila (2000)

Fa yeung nin wah (original title)

In the Mood for Love

Synopsis

Hong Kong, 1962. M. Chow, rédacteur en chef d'un journal local, et Mme Chan, secrétaire de M. Ho, emménagent avec leur conjoint, le même jour, dans des appartements voisins, le premier chez M. Koo et la seconde chez Mme Suen. La femme de M. Chow est souvent absente et le mari de Mme Chan est fréquemment parti à l'étranger. Très vite, ils vont comprendre que leurs conjoints respectifs entretiennent une relation amoureuse adultère en secret. Ensemble, M. Chow et Mme Chan vont tenter de saisir les éléments de la rencontre des deux amants et surtout la façon dont est né cet adultère. Mais l'amitié débouche rapidement sur d'autres sentiments.

Musique

Yumeji's Theme de Shigeru Umebayashi (repris de la bande-son du film Yumeji (en) de Seijun Suzuki)

Angkor Wat Theme de Michael Galasso

Te Quiero, Dijiste de Nat King Cole

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Initialement, le film devait s'intituler Beijing Summer mais ce titre a été abandonné en cours de tournage1

À l'origine, le film devait raconter trois histoires centrées sur la nourriture et son impact sur les relations amoureuses. La première, qui prendra des proportions telles qu'elle éclipsera les deux autres et deviendra In the Mood for Love, était consacrée à la « révolution » introduite par l'autocuiseur (l'appareil revient d'ailleurs plusieurs fois dans le film), qui a libéré la femme asiatique ; la seconde concernait l'apparition des soupes de nouilles pré-cuites, associées à une restriction de cette même liberté (on en trouve une trace a contrario dans In the Mood for Love : Mme Chan peut encore sortir de son appartement pour aller chercher à manger dans un restaurant de nouilles… où elle croise Mr. Chow) ; la troisième étudiait les conséquences du succès du fast-food, associé au développement du « fast-love »…[réf. nécessaire]

Pour l'anecdote, il faut savoir que le réalisateur avait deux projets de scénarios, l'un où les deux personnages devenaient effectivement amants à la fin du film et l'autre, qui est la version visible, où rien n'est dit explicitement. Comme toutes les scènes de fin ont été tournées avant les scènes de début, les acteurs ne savaient pas en tournant celles-ci la conclusion qui serait retenue au montage. Ce point augmente donc l'ambiguïté de leurs attitudes et les rapproche du monde réel où personne ne connaît son destin avec certitude.

Bien que la caméra et le décor confinent M. Chow et Mme Chan dans l'espace inévitablement étroit des appartements et des bureaux de Hong Kong, la date de 1962 correspond aux émeutes fomentées dans la colonie par la Chine contre les autorités britanniques de tutelle. C'est un moment de crise pour le territoire, soumis à deux autorités extérieures et qui mettent en question son identité et son devenir.

La dernière partie du film se passe à Angkor. Elle commence par un bref document en français montrant l'arrivée du général De Gaulle à Phnom Penh en septembre 1966 et sa réception par le Prince Norodom Sihanouk juste avant le discours de Phnom Penh.

Le titre du film en cantonais (Fa yeung nin wa) ne signifie pas In the Mood for Love (« D'humeur amoureuse ») mais bien « Le temps des fleurs », le titre d'une chanson de Zhou Xuan (Chow Hsuan), célèbre chanteuse de Shanghai des années trente. La chanson était, dans le film, commandée à la radio par M. Chan pour l'anniversaire de son épouse.

Le maquillage et la coiffure de Maggie Cheung prenaient une moyenne de cinq heures de préparation par jour.

Le tournage dura 15 mois.

2046, la chambre où les deux amants se retrouvent, sera également le titre du film que sortira Wong Kar-Wai en 2004.

En août 2016, la BBC publie une liste des « 100 meilleurs films du siècle » (depuis 2000) réalisée suivant les réponses de 177 critiques de cinéma du monde entier. In the Mood for Love obtient la deuxième place derrière Mulholland Drive de David Lynch (2001) et devant There Will Be Blood de Paul Thomas Anderson (2007)


Aquellos ojos verdes (es) de Nat King Cole

Quizás, quizás, quizás de Nat King Cole

Hua Yang De Nian Hua de Zhou Xuan

Le célèbre Yumeji's Theme (en) de Shigeru Umebayashi est notamment réutilisé dans les musiques additionnelles de 99 francs de Jan Kounen.

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Acteurs principaux

Tony Leung Chiu-wai (VF : Franck Capillery) : M. Chow

Maggie Cheung (VF : Catherine Hamilty) : Mme Chan

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Wong Kar-wai.

2046 (film)

From Wikipedia, the free encyclopedia

2046 is a 2004 Hong Kong romantic drama film written and directed by Wong Kar-wai. It is a loose sequel to Wong's films Days of Being Wild (1990) and In the Mood for Love (2000). It follows the aftermath of Chow Mo-wan's unconsummated affair with Su Li-zhen in 1960s Hong Kong but also includes some science fiction elements and makes frequent references to the date of 24 December or Christmas Eve, on which many significant events in the film occur.

Plot

The film is the third chapter of a shared story that began with Days of Being Wild and continued with In the Mood for Love.

There are four main story arcs to the film. Three are about the relations of Chow with women that he meets after losing Su Li-zhen. The first concerns Chow and Wang Jing-wen, the second is about Chow and Bai Ling, and the third is about Chow and a different woman who is also named Su Li-zhen. The fourth takes place in Chow's mysterious world of 2046 and concerns a Japanese passenger falling in love with a gynoid. Typical of Wong Kar-wai films, the arcs are presented in pieces and in non-chronological order.

The approximate order of the arcs is listed below.

2046 arc part I

This section is the only part narrated by Chow's fictional character and not Chow himself. Set in the far future, a huge rail network connects the planet. The world is a vast dystopia, and lonely souls all try to reach a mysterious place called 2046 in order to recapture lost loves. In the world of 2046 nothing ever changes, so there is never loss or sadness. No one has ever returned from 2046 except the protagonist, a lonely Japanese man named Tak (played by Takuya Kimura). As the story begins, Tak is on a long train ride returning from 2046.

"All Memories Are Traces of Tears"

As Chow Mo-wan's life is revisited, we learn that he is still struggling to get over the loss of his idealised love, Su Li-zhen. He returns to Hong Kong after being in Singapore for a number of years to try to forget his anguish. To cover up his pain, he becomes a suave ladies' man. Chow attends many lavish parties and beds many women.

On Christmas Eve, Chow meets Lulu from the first film (Days of Being Wild) whom he remembers from Singapore, although she has no recollection of him. That night, Chow Mo-wan takes Lulu home as she is quite drunk, but accidentally keeps her room key. As he leaves, he notices that her room number is 2046, the same room number that he and Su Li-zhen had during their emotional affair. Upon returning a few days later to return the room key, the landlord informs Chow that the room is not available due to renovations. The landlord offers him the adjacent room 2047. Chow later learns that Lulu was stabbed in the room the night before by a jealous boyfriend.

Chow agrees to rent room 2047 in the meantime. After the renovation of room 2046 is complete, the landlord asks Chow if he wants to move in. However, by this time he has gotten used to room 2047 and decides to stay there. The rooms 2046 and 2047 are connected by a common hallway, Chow regularly watches and gets involved with the people that move into 2046.

Wang Jing-wen and Wang Jie-wen arc part I

The first person that moves next door into 2046 is the landlord's daughter, Wang Jing-wen (played by Faye Wong). Chow spends a good deal of time just observing her from his room. He learns that she has a Japanese boyfriend working in Hong Kong. The relationship is forbidden by her father. Eventually, Wang breaks up with her boyfriend, then suffers a breakdown and is institutionalised. Afterwards, the next tenant that moves into 2046 is the younger daughter of the landlord, Wang Jie-wen. She is young, attractive, and flirtatious. She frequently tries to seduce him but he refuses each time.

A short time later, Chow runs into some financial difficulties, and stops going out. To make some extra money, he starts to write a science fiction series called 2046. The story is set in the distant future, about a group of heart sick individuals looking for love. The only place to find it is at a mysterious location called 2046. Virtually all of the characters in 2046 are based on people that Chow has met, such as Su Li-zhen, Lulu, or Wang Jing-wen. Whether 2046 is a place, a room, or a state of mind is never explicitly defined. Chow makes the story somewhat bizarre and erotic, and readers seem to take notice.

Bai Ling arc part I

The third person to move into room 2046 is the coquettish Bai Ling (Zhang Ziyi). She wears similar qipao dresses as the original Su Li-zhen but radiates a much more aggressive sensuality than her. While it is never explicitly stated in the film, it is implied that she is a nightclub girl who occasionally doubles as a high-class prostitute. However, she is intent on finding a long-term relationship. In one instance, when Chow overhears her arguing with a man, Bai tells the man that to continue seeing her, he must end his relationship with the other woman. Chow again spends a lot of time observing her across the thin wall separating rooms 2046 and 2047.

On the next Christmas Eve, Bai runs into Chow just after she is dumped by her boyfriend before they are to go to Singapore. Chow suggests that they go for dinner, to which she grudgingly accepts. During dinner, Chow tells Bai about his experiences in Singapore. She is intrigued, and after dinner she agrees to try to form a platonic friendship with him by borrowing time from each other. Their brief friendship does not last however, as they soon develop carnal lust for each other. Not surprisingly, Chow wants to keep the relationship strictly physical; he continues to pick up other prostitutes. To compromise, Bai soon develops a compensation system where he pays her 10 Hong Kong dollars (a trivial sum) each time he stays over. However, over time Bai finds that she has feelings for Chow, and she asks him to discontinue seeing other women. Chow refuses and gives a counter offer, the option to be his customer for $10 each night. Bai is crushed and breaks things off with Chow. As a way of revenge, Bai then descends into seeing men exclusively for money, frequently changing partners. A short while later, she moves out of Room 2046.

Wang Jing-wen part II

After Bai Ling moves out, Wang Jing-wen moves back into 2046 after returning from the mental hospital. She is a shell of a former self, and still very depressed over the loss of her Japanese boyfriend. Her ex writes numerous letters in an attempt to reconcile with her, but she refuses due to her father.

Wang passes the time by assisting her father at the hotel. She also starts to spend more and more time with Chow helping him with his writing and editing. At this point, he is regularly publishing chapters of 2046. These scenes are very similar to those in In the Mood for Love when Su Li-zhen used to help Chow with his writing in their hotel room. Chow remarks that this period in his life is the happiest that he has been after Su Li-zhen. However, before he realises it, he develops feelings for Wang Jing-wen. He makes some minor attempts to start a romance with her, but nothing develops since she is still very much in love with the Japanese man.

One day Wang Jing-wen asks Chow rhetorically if some things in life never change. He answers her by writing a story called 2047. In this story, a Japanese man leaves the world of 2046, but falls in love on the journey home. While he initially tried to base the story on Wang Jing-wen's ex-boyfriend, he realises that the story is ultimately about himself.

2047 arc part II

Chow's fictional world is revisited. However, this time it is narrated by Chow himself. Set in the far future, for passengers to reach or leave 2046 they must take a long journey on a vast train network. The main character, Tak (who is portrayed by Wang Jing-wen's Japanese boyfriend) is trying to leave 2046 because he lost the love of his life in that world. As the train travels through the extremely cold sections 1224–1225, Tak becomes intimate with one of the train's gynoid assistants (played by Faye Wong) and later falls in love with her. He then asks her numerous times to come with him. However, each time the gynoid does not answer. Tak has heard earlier that excessive operation causes the gynoid's response time to slow down and decides to wait on the train to see if this is the case. He sits quietly on the train, and counts the seconds that go by, hoping the gynoid will decide to leave with him. However, the gynoid still does not respond. Ultimately, Tak realises that it is not a delayed reaction that causes that gynoid not to respond, but that she is in love with someone else and that their relationship is simply not meant to be. With this knowledge, he finally has the strength to leave the train and 2046. Completing the story marks a turning point in Chow's recovery.

Wang Jing-wen part III

Next Christmas, Chow invites Wang Jing-wen out to dinner. After finding out that she still misses her ex in Japan, he takes her to his office so that she can call him to wish him well. Looking sadly through the window panes as Wang Jing-wen is overjoyed talking to her ex, Chow remarks that in fact Section 1224-1225 from the story are simply the dates for Christmas Eve and Christmas Day when everyone is especially lonely and needs additional love. He goes on to say that while he had feelings for her, and most likely could have taken advantage of the situation (as he did the previous year with Bai Ling) he was happy that in this situation he did the "right thing". The call re-ignites the romance. Soon afterward, Wang Jing-wen moves to Japan and gets engaged.

A short while later, while still feeling depressed over the loss of Wang Jing-wen, Chow runs into Lulu again as she has a violent confrontation with another woman that is sleeping with her current playboy boyfriend. This incident is identical to one that occurred in the original Days of Being Wild when she confronted the original Su Li-zhen for sleeping with Yuddy. Chow remarks that Lulu, is likely to forever remain living in the past. However, he then remarks that this is not really a sad thing, as she seems perfectly content to be miserable. The incident strengthens Chow's resolve to get over Su Li-zhen.

Bai Ling arc part II

Some time later, Chow gets a call from Bai Ling and the two go out to dinner. This time, Bai looks much less glamorous and more "run-down". She informs Chow that she plans to leave for Singapore, and asks him to provide a reference and plane fare. She also asks where he was last Christmas, as she stopped by at that time, and was hoping to see him. In fact, she remarks that she really misses him. It turns out, during last Christmas, Chow had gone back to Singapore in an attempt to find a former lover, another woman named Su Li-zhen (played by Gong Li).

Su Li-Zhen Arc

Chronologically, this arc occurs first in the film. Chow met the second Su Li-zhen some years back when he first arrived in Singapore. At that time, he was still grieving over losing the original Su Li-zhen and spending much of his free time in the local casinos. After losing much of his savings, he encounters the second Su Li-zhen, a mysterious gambler. They become lovers, and he soon wants to know everything about her. But she insists that he beat her in a "high-card" draw before she will reveal anything about her past, which he never is able to do. Eventually, she agrees to help him win back his money so that he can return to Hong Kong. When she does so, he prepares to leave, and asks her to go with him. Again, she challenges him to a high-card draw, which he again loses. Knowing little about her, Chow speculates that she, like himself, has a troubled past.

Initially heartbroken about this, he remarks that after he completes the story '2047' he finally understands why the second Su Li-zhen did not go with him, as he would again have tried to recapture the past by looking for elements of the original Su Li-zhen. When Chow went back to Singapore to visit her the second time, he does not find her. He makes some inquiries as to her whereabouts and speculates that she either returned to Cambodia or was killed.

Bai Ling arc part III

Shortly after the events of 'Bai Ling arc part II' and the night before she boards a plane for Singapore, Chow again meets Bai Ling for dinner. Bai remarks that, between their two meetings, one of her clients has given her a lot of money and she wants to pay Chow back immediately. He refuses to take the money. Bai insists on paying for dinner, and Chow is stunned when she hands him a stack of money, each $10 bill representing one night they had spent together. Bai tells Chow to pay for dinner with this stack of bills, while unbeknownst to him, she sadly watches behind the restaurant's green window veils.

After dinner, Chow walks her back to her apartment. Grasping his hands at the apartment door, she begs him to lend his time to her once more and spend the night. She then asks him "Why can't it be like it was before?" He refuses to stay over, even out of pity, coldly stating that that is simply something he would never lend. He exits by jerking his hands away from her and remarks in voiceover that this was the last time he ever saw her. He leaves in a taxi, staring emptily into space, as the camera slowly enters a whispering hole.

Cast

Tony Leung Chiu-Wai as Chow Mo-wan, the main character and narrator. A journalist and writer, he is the same character, played by the same actor, as in In the Mood for Love. He also appears in a silent cameo at the very end of Days of Being Wild.

Maggie Cheung as Su Li-zhen, the woman Chow Mo-wan loved most. She appears only in flashback. See In the Mood for Love.

Gong Li as Another Su Li-zhen. Presented as a "professional gambler" and nicknamed "Black Spider", she said that she was from Phnom Penh. Chow Mo-wan met her in Singapore.

Wang Sum as

Mr. Wang, the hotel owner. He had taken singing lessons in Harbin, China.

The captain of the train to (or from) 2046.

Faye Wong's character is named "Wang Jing-wen" (Chinese: 王靖雯; pinyin: Wáng Jìngwén; Jyutping: Wong4 Zing6 Man4), incidentally identical to her stage name from 1989 to 1994.

Faye Wong as

Wang Jing-wen, the first daughter of Mr. Wang, the hotel owner. She was in love with a Japanese man, a relationship that her father opposed strongly.

A Gynoid in the train to (or from) 2046.

Takuya Kimura as

A Japanese man, sent to Hong Kong for a while by his company. He is Wang Jing Wen's boyfriend.

Tak, a passenger of the train to (or from) 2046.

Dong Jie as Wang Jie-wen. The second daughter of Mr. Wang, the hotel owner.

Carina Lau as

Mimi/Lulu. See Days of Being Wild.

A gynoid in the train to (or from) 2046.

Title

2046 is the number of the hotel room in In the Mood for Love in which Tony Leung Chiu-wai and Maggie Cheung's characters meet to write their kung fu novel serial. It is the number of a hotel room occupied by Lulu, and later by Bai Ling at the Oriental Hotel, while Tony Leung's room number is 2047.

The main character (Tony Leung) writes science fiction stories, in which 2046 is a popular year and place to which people travel through time. The stories are titled 2046 and later 2047 (a collaboration with Faye Wong's character).

 

The year 2046 has its own significance for Hong Kong. It is 49 years after the handover of Hong Kong by the British on 1 July 1997. At the time of handover, the Mainland government promised fifty years of self-regulation for the former British colony. The year 2046 references the moment before Hong Kong's special, self-regulated status ends.[4]

The title may also be a reference to the Twilight Zone episode "The Lonely", about a man sentenced to solitary confinement on a distant asteroid beginning in the year 2046. The isolated inmate falls in love with a gynoid that was delivered to keep him company. This plot structure parallels some of the science fiction motifs in Wong's 2046.

Critical reception

On review aggregator Rotten Tomatoes, the film has an approval rating of 84%, based on 119 reviews, with an average rating of 7.44/10. The website's critical consensus reads, "Director Wong Kar-Wai has created in 2046 another visually stunning, atmospheric, and melancholy movie about unrequited love and loneliness."[5]

One of the most positive reviews came from Manohla Dargis in The New York Times, who called the film "an unqualified triumph", and praised Zhang Ziyi's performance, saying: "Ms. Zhang's shockingly intense performance burns a hole in the film that gives everything, including all the other relationships, a sense of terrific urgency." Dargis also describes the film:

"Routinely criticized for his weak narratives, Mr. Wong is one of the few filmmakers working in commercial cinema who refuse to be enslaved by traditional storytelling. He isn't the first and certainly not the only one to pry cinema from the grip of classical narrative, to take a pickax to the usual three-act architecture (or at least shake the foundation), while also dispatching with the art-deadening requirements (redemption, closure, ad nauseam) that have turned much of Big Hollywood into a creative dead zone. Like some avant-garde filmmakers and like his contemporary, Hou Hsiao-hsien of Taiwan, among precious few others these days, Mr. Wong makes movies, still a young art, that create meaning through visual images, not just words." [2]

In Premiere, Glenn Kenny gave the film four stars and ranked it as one of the ten best films of 2005:

"Insanely evocative '60s-style landscapes and settings share screen space with claustrophobic futuristic CGI metropolises; everyone smokes and drinks too much; musical themes repeat as characters get stuck in their own self-defeating modes of eternal return. A puzzle, a valentine, a sacred hymn to beauty, particularly that of Ziyi Zhang, almost preternaturally gorgeous and delivering an ineffable performance, and a cynical shrug of the shoulders at the damned impermanence of it all, 2046 is a movie to live in."[6]

Said Ty Burr of The Boston Globe:

"Is it worth the challenge? Of course it is. Wong stands as the leading heir to the great directors of post-WWII Europe: His work combines the playfulness and disenchantment of Godard, the visual fantasias of Fellini, the chic existentialism of Antonioni, and Bergman's brooding uncertainties. In this film, he drills further into an obsession with memory, time, and longing than may even be good for him, and his world reflects and refracts our own more than may be comfortable for us. Love hurts in 2046, but it's the only way anybody knows they're alive."[7]

Daniel Eagan of Film Journal International:

"it's clear his [Wong Kar-wai] skills and interests have no match in today's cinema. Whatever his motives, Wong has assembled a remarkable team for this film. The cinematography, production design and editing combine for a mood of utter languor and decadence. Leung Chiu-wai continues his string of outstanding roles, while pop singer Wong achieves a gravity missing from her earlier work...it's Zhang who is the real surprise here...her performance puts her on a level with the world's best actresses."[8]

One of the less enthusiastic reviews came from Roger Ebert who, in the Chicago Sun-Times, gave the film a midly-negative 2½ stars out of a possible four and a "marginal thumbs down" on the television show Ebert & Roeper.

"2046 arrived at the last minute at Cannes 2003, after missing its earlier screenings; the final reel reportedly arrived at the airport almost as the first was being shown. It was said to be unfinished, and indeed there were skeletal special effects that now appear in final form, but perhaps it was never really finished in his mind. Perhaps he would have appreciated the luxury that Woody Allen had with Crimes and Misdemeanors; he looked at the first cut of the film, threw out the first act, called the actors back and reshot, focusing on what turned out to be the central story. Watching 2046, I wonder what it could possibly mean to anyone not familiar with Wong's work and style. Unlike In the Mood for Love, it is not a self-contained film, although it's certainly a lovely meander."[9]

Box office & Distribution

2046 opened in North America on 5 August 2005, where it grossed US$113,074 on four screens ($28,268 average).[11] In Wong Kar-wai's home country of Hong Kong, 2046 earned a total of US$778,138.[12] It went on to gross a total of $1,444,588 in North America,[1] playing at 61 venues at its widest release.[11] Its total worldwide box office gross is US$19,271,312.[1]

Sony Pictures Home Entertainment released the film on DVD on 26 December 2005. Since then, it has yet to be re-released or restored in the United States. A region free Blu-ray was released by EOS Entertainment on 17 September 2014 in South Korea, as part of a Wong Kar Wai boxset.

Accolades

In April 2004, the film was nominated for the Golden Palm at the 2004 Cannes Film Festival.[13]

In November 2004, it won awards for Best Art Direction and Best Original Film Score at the Golden Horse Film Festival in Taiwan. The same year, it also won the European Film Award for Best Non-European Film, the Best Foreign Language Film award at the San Sebastián International Film Festival, and was voted Best Foreign Language Film by the New York Film Critics Circle, while taking second place at the Boston Society of Film Critics and Los Angeles Film Critics Association Awards in the same category.

In March 2005, it was nominated in numerous categories at the Hong Kong Film Awards, winning Best Actor (Tony Leung), Best Actress (Zhang Ziyi), Best Cinematography (Christopher Doyle), Best Costume Design and Make-Up, Best Art Direction, and Best Original Film Score (Shigeru Umebayashi).

Music

Original music:[14]

Shigeru Umebayashi – "2046 Main Theme" (scenes 5, 15 and closing credits), "2046 Main Theme (Rumba Version)" (scene 25), "Interlude I" (scenes 29, 38), "Polonaise" (scenes 37, 43), "Lost", "Long Journey" (Scenes 40–41), "Interlude II" (Scene 30), "2046 Main Theme" (With Percussion, Train Remix)

Adopted music:[14]

Peer Raben – "Dark Chariot" (Scenes 7–9, 12–13) from Rainer Werner Fassbinder's Querelle (1982) and "Sisyphos at Work" (Scene 4) from Fassbinder's film The Third Generation (1979)

Xavier Cugat – "Siboney" (scenes 6 (instrumental), 17, 19, 24), "Perfidia" (scenes 10, 39)

Dean Martin – "Sway" (scene 18)

Georges Delerue – "Julien et Barbara" from François Truffaut's Vivement Dimanche! (1983) (scenes 21–23, 42)

Connie Francis – "Siboney"

Vincenzo Bellini and Felice Romani – "Casta Diva" from Bellini's Norma, performed by Angela Gheorghiu and the London Symphony Orchestra, directed by Evelino Pidò – recorded in 2000 (scenes 11, 14, 28, 36) and Bellini's Il pirata (scenes 16, 26)

Zbigniew Preisner – "Decision" from Thou shalt not kill, part 5 of Krzysztof Kieślowski's The Decalogue

Secret Garden – "Adagio" with David Agnew (cor anglais) (scenes 3, 27, 31, 34)

Nat King Cole and the Nat King Cole Trio – "The Christmas Song" (1946 version with strings) (scenes 20, 35)



vineri, 18 septembrie 2020

Luis Bunuel 4

 

Luis Buñuel, Mon dernier soupir, Robert Laffont, 1982

Luis Buñuel, Mon dernier soupir, Robert Laffont, 1982

Luis Buñuel a été un cinéaste important. Il est aujourd’hui un peu oublié. Mon dernier soupir est un ouvrage de souvenirs, écrit avec l’aide de Jean-Claude Carrière, au soir de sa vie. Il décédera l’année suivante. Il était né au tout début du XXème siècle, en Espagne. Issu d’une famille bourgeoise et plutôt aisée, il se retrouve rapidement en porte à faux avec l’hypocrite société catholique et rigoriste de son temps. Il se liera d’amitié avec Federico Garcia Lorca, Dali, et quelques autres qui auront bouleversé la culture espagnole. Il décrit la société espagnole dans laquelle il a grandi comme encore engoncée dans un Moyen Âge qui n’en finissait pas. Par ses inclinaisons, il fut un révolté, plutôt anarchisant, sans être engagé nulle part, quoique pendant la Guerre d’Espagne il se rangea naturellement du côté des Républicains, ce qui lui valut un exil prolongé jusqu’en 1961. Assez peu intéressé par les choses de l’argent, plutôt orienté vers la poésie, il en vint naturellement à fréquenter les surréalistes. Il fut donc membre du groupe de Breton à Paris. Il ne s’en éloignera que trois ans plus tard. Cette fréquentation le marquera à jamais.  Il est un des rares cinéastes connus qui peut être qualifié de surréaliste. Il lui en restera tout au long de sa vie au moins deux choses : d’abord un athéisme militant, ensuite une sorte de passion pour les écrits de Sade. Un grand nombre de ses films sont marqués par l’athéisme et brocardent l’Eglise catholique, en long, en large et en travers. Je me demandais d’ailleurs si dans notre monde réactionnaire d’aujourd’hui il serait possible de faire des films par exemple ouvertement crachant sur l’Islam. La réponse est non. L’équivalent des films de Buñuel sur l’Islam entrainerait certainement des procès et des bombes dans les salles qui oseraient les projeter. 

Luis Buñuel, Mon dernier soupir, Robert Laffont, 1982 

La Cène représentée dans Viridiana scandalisa l’Eglise catholique 

Ayant grandi dans un pays où l’extrême pauvreté côtoyait l’extrême richesse, Buñuel était très marqué par l’absurdité de tels rapports de classes et le grotesque qui allait forcément avec. S’il détestait autant l’Eglise ce n’était pas seulement pour les absurdes croyances qu’elle mettait en scène, mais aussi parce qu’elle était en Espagne ouvertement le soutien de la réaction et des grands propriétaires. Même s’il n’approuve pas les meurtres de prêtres que les anarchistes commirent au moment de la Guerre d’Espagne, il les comprend. 

Luis Buñuel, Mon dernier soupir, Robert Laffont, 1982 

La voie lactée 

La filmographie de Buñuel ne se réduit sûrement pas à cette opposition farouche. Elle porte aussi sur le rêve, les fantasme, l’érotisme et la mort. Autodidacte consommé, il apprit un peu de technique à Paris. Dès ces débuts, dans ces deux courts métrages, Le chien andalou et L’âge d’or, il brisera les structures traditionnelles de la narration. Ces coups d’éclat ne seront cependant que des feux de paille. Après un détour chaotique par Hollywood, il fera d’abord carrière au Mexique, pays dont il prendra la nationalité et où il s’établira définitivement. Bien que cette période soit moins homogène que la suivante, avec des hauts et des bas, c’est peut-être là qu’elle est le plus originale. Elle se marie d’ailleurs plutôt bien avec le fait que le Mexique après la Seconde Guerre mondiale développait une cinématographie propre, avec de très beaux films, le plus souvent fauchés d’ailleurs. Cette période fut couronnée d’un Prix de la mise en scène au Festival de Cannes en 1951 – c’était du temps où le Festival de Cannes ressemblait un peu à quelque chose – pour Los Olvidados, puis d’une Palme d’or pour Viridiana en 1961. Cette reconnaissance internationale lui permit d’accéder à des budgets plus huppés. Il revint donc tourner en France, Le journal d’une femme de chambre, d’après Octave Mirbeau en 1964 et avec Jeanne Moreau.

Luis Buñuel, Mon dernier soupir, Robert Laffont, 1982 

Los Olvidados 

Le reste de sa carrière est plus connu, mais pour ma part je le trouve un peu trop sage, moins percutant que ce qu’il pouvait faire au Mexique par exemple avec des films plutôt étranges comme Subito al cielo en 1952. Il tournera deux films avec Catherine Deneuve, Belle de jour et Tristana, sans doute ce que cette actrice aura fait de mieux. Le premier film est assez convenu, l’histoire d’une femme qui s’ennuie et se prostitue pour réaliser un certain nombre de ses fantasmes. Buñuel ne l’aimait pas trop. Le second est plus étrange avec une histoire d’amputation et de jambe articulée, un retour à cette vieille idée d’un handicap physique irrémédiable autant que paradoxal où se mêle la culpabilité et la honte. Le charme discret de la bourgeoisie ne m’a pas laissé un souvenir impérissable, comme La voie Lactée. Mais quand on voit le cinéma d’aujourd’hui complètement engoncé dans des formalismes d’un autre âge, Buñuel apparait comme un très grand cinéaste. Comme je l’ai dit ce n’était pas un très grand technicien, il ajustait ses capacités créatrices à l’importance de son sujet. C’est un peu l’inverse d’Hitchcock si on veut : ce dernier n’a jamais eu grand-chose à dire, mais il usait de nombreux artifices techniques qu’il maitrisait – encore que ses ignobles transparences ou l’usage de la couleur verte pour les rêves nous font douter parfois de cette maîtrise – pour masquer le vide de ses films. Il n’existe plus guère de cinéastes de cette trempe, ou peut-être ne veut-on plus produire ce genre de films dont l’œuvre est reconnaissable directement à la fois par une thématique personnelle et une façon de filmer originale. Dans les années 50 et 60, des cinéastes comme Fellini, Bergman, Orson Welles et bien sûr Buñuel avaient suffisamment de succès pour qu’ils deviennent des sortes d’étalon du cinéma mondial.

Luis Buñuel, Mon dernier soupir, Robert Laffont, 1982 

Tristana 

L’ouvrage de Buñuel retrace évidemment un engagement de cinéaste et d’homme de son temps. Cela suffit à en faire l’intérêt, mais au détour des pages on y trouve aussi beaucoup d’humour, ne ménageant guère les personnes qu’il a pu connaitre et donc n’hésitant pas à nous faire part, sans trop d’ostentation cependant, de ses détestations. Il est plutôt caustique avec Dali, ce clown d’Avida Dollars[1], assez peu indulgent avec l’œuvre de Federico Garcia Lorca, et très critique avec Chaplin.  On pourra trouver ses réflexions sur la Guerre d’Espagne assez peu approfondies, s’il fustige les anarchistes et le POUM pour leur désorganisation, il ne tient pas compte du coup d’Etat stalinien du 3 mai 1937 qui envoyèrent les sections d’assaut contre les anarchistes et le POUM, alors que les troupes franquistes avançaient déjà à vive allure

Extraits 

« Impossible de boire sans fumer. Pour ma part je me suis mis à fumer vers l’âge de seize ans et je n’ai jamais arrêté. Il est vrai que je n’ai fumé que rarement plus de vingt cigarettes par jour. […] Le tabac, qui se marie admirablement avec l’alcool (si l’alcool est la reine, le tabac est le roi) est un chaleureux compagnon de tous les événements d’une vie. C’est le grand copain des bons et des mauvais jours. On allume une cigarette pour fêter une joie ou pour cacher une amertume. Quand on est seul ou quand on est ensemble. […] Aussi me permettrai-je, respectables lecteurs, pour en terminer avec ces considérations sur l’alcool et le tabac, pères des amitiés puissantes comme des rêveries fécondes, de vous donner un double conseil : ne fumez pas et ne buvez pas. C’est dangereux pour la santé. »

 

On me dit : et la science ? Ne cherche-t-elle pas, par d’autres voies, à réduire le mystère qui nous entoure ?

Peut-être, mais la science ne m’intéresse pas. Elle me semble prétentieuse, analytique et superficielle. Elle ignore le rêve, le hasard, le rire, le sentiment et la contradiction, toutes choses qui me sont précieuses. Un personnage de La voie lactée disait : « Ma haine de la science et mon mépris de la technologie m’amèneront, finalement, à cette absurde croyance en Dieu. » Il n’en est rien. En ce qui me concerne c’est même tout à fait impossible. J’ai choisi ma place, elle est dans le mystère. Il me reste à le respecter. »

 

« Une chose est désormais certaine : la science est l’ennemie de l’homme. Elle flatte en nous l’instinct de toute-puissance qui conduit à notre destruction. D’ailleurs une récente enquête le prouvait : sur sept cent mille scientifiques « hautement qualifiés » travaillant à l’heure actuelle dans le monde, cinq cent vingt mille s’efforcent d’améliorer les moyens de mort, de détruire l’humanité. Cent quatre-vingt mille seulement recherche les méthodes de notre sauvegarde. »



[1] C’est l’anagramme de Salvador Dali, surnom donné pour le moquer par André Breton.

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BUNUEL 3 / BIO + FILMOGRAFIE

 



                          LUIS   Buñuel                             Luis Buñuel  si SALVADOR DALI


https://www.larousse.fr/encyclopedie/personnage/Luis_Bu%C3%B1uel/99034

Luis Buñuel

Cinéaste espagnol naturalisé mexicain (Calanda, Aragon, 1900-Mexico 1983).

LES PREMIÈRES EXPÉRIENCES

Inscrit au collège des Jésuites de Saragosse, puis étudiant à l'université de Madrid, Luis Buñuel est un élève éclectique et brillant, qui s'intéresse à la fois aux sciences et aux lettres – il est très attiré par la musique, l'histoire des religions et l'entomologie –, et un sportif – il tâte de la boxe. C'est aussi déjà un passionné de cinéma : en 1920, il fonde le premier ciné-club espagnol. Il se lie d'amitié avec Federico García Lorca, R. Gómez de la Serna, Rafael Alberti, J. Ortega y Gasset et Jorge Guillén, et suit de très près les divers mouvements européens d'avant-garde.

LA RENCONTRE AVEC LE GROUPE SURRÉALISTE

En 1925, il vient à Paris, écrit des articles, fréquente le groupe surréaliste, devient l'assistant de Jean Epstein et met au point avec le peintre Salvador Dalí le scénario d'un film qui va faire l'effet d'une bombe. Un chien andalou (1928) obtient, en effet, un grand succès de scandale, ce qui n'est apparemment pas du goût de son auteur, qui déclare être victime d'un malentendu : « Que puis-je contre les fervents de toute nouveauté, même si cette nouveauté outrage leurs convictions les plus profondes, contre une presse vendue ou insincère, contre cette foule imbécile qui a trouvé beau et poétique ce qui au fond n'est qu'un désespéré, un passionné appel au meurtre. » Le film est une totale provocation : il se veut surréaliste et fait appel successivement à l'inconscient, au hasard, à la gratuité, à l'absurde, à la métaphore poétique, à la correspondance psychanalytique. Mais le succès du film n'est pas le fait du seul snobisme. D'autres jeunes gens n'hésitent pas à clamer leur enthousiasme. Ainsi Jean Vigo, qui déclare : « Un chien andalou est une œuvre capitale à tous les points de vue : sûreté de la mise en scène, habileté des éclairages, science parfaite des associations visuelles et idéologiques, logique solide du rêve, admirable confrontation du subconscient et du rationnel. » L'Âge d'or, réalisé en 1930 grâce au mécénat du vicomte de Noailles, fait tout pareillement scandale. Mais là certains spectateurs furieux ne se contentent pas de siffler : le Studio 28, qui présente le film, est saccagé par des commandos fascistes et antisémites. Le film est interdit, ce qui ne saurait, bien au contraire, refréner les éloges d'André Breton : « Voilà une œuvre qui demeure à ce jour la seule entreprise d'exaltation de l'amour total tel que je l'envisage. »

L'ÉCLIPSE AMÉRICAINE

En 1931, la république est proclamée en Espagne. Buñuel rentre dans son pays et réalise Las Hurdes (Terre sans pain), un « essai cinématographique de géographie humaine sur une région stérile et inhospitalière, où l'homme est obligé de lutter heure par heure pour sa subsistance ». Ce document, conçu comme un reportage et une enquête, est en fait un violent cri de révolte contre les effroyables conditions d'existence de certaines populations socialement « rejetées ». Après ce vigoureux pamphlet, on était en droit d'attendre d'autres œuvres de contestation de la part de quelqu'un qui avait fait une entrée si fracassante dans le monde du cinéma, mais Buñuel va décevoir ses plus fidèles partisans. Pendant une vingtaine d'années, son destin prendra une curieuse tournure. Buñuel effectuera à Paris des travaux de doublage pour la firme Paramount, retournera en Espagne superviser des coproductions pour la Warner Bros, deviendra producteur de films, partira pour les États-Unis, puis pour le Mexique, où on lui fait réaliser des comédies légères et des drames à succès. Il avouera plus tard lui-même : « Évidemment, j'ai dû faire de mauvais films, mais toujours moralement dignes. »

En Europe, beaucoup ont appris à oublier l'enfant prodige quand, en 1950, sort sur les écrans un film mexicain intitulé Los olvidados. Celui-ci est signé Luis Buñuel. La critique internationale, en soulignant les mérites du film, insiste sur la résurgence d'anciens thèmes bunuéliens, comme l'onirisme et la cruauté, et prédit une nouvelle carrière éclatante à un réalisateur qui semble retrouver un rythme régulier de production. Tous les films qui suivent Los olvidados ne sont pourtant pas des chefs-d'œuvre, mais, dans la Montée au ciel (1951), Robinson Crusoé (1952), El (1953), la Vie criminelle d'Archibald de la Cruz (1955) ou la Mort en ce jardin (1956), on retrouve des éléments intéressants qui permettent de compter Buñuel parmi les metteurs en scène les plus importants des années 1950.

EN LUTTE CONTRE LES TABOUS DE LA SOCIÉTÉ BOURGEOISE ET DE LA MORALE TRADITIONNELLE

Trois films, Nazarin (1958), Viridiana (1961) et l'Ange exterminateur (1962), vont combler les espérances des « bunuéliens » et détruire les dernières réticences de ceux que le souvenir de l'Âge d'or obsédait trop pour pouvoir apprécier objectivement un cinéaste parfois curieusement assez peu inspiré (notamment pour Cela s'appelle l'aurore [1956], tourné en France, et pour La fièvre monte à El Pao [1959], qui fut le dernier film de Gérard Philipe).

Nazarin, âprement discuté, fait rebondir la querelle d'un Buñuel chrétien ou athée. Viridiana, tourné en Espagne, obtient la palme d'or au festival de Cannes de 1961 et suscite certains remous dans le pays natal de l'auteur, où la censure l'interdit bientôt, ce qui oblige Buñuel à revenir au Mexique pour entreprendre l'Ange exterminateur.

On retrouve dans ces trois films le style bunuélien dans ses paroxysmes les plus séduisants. Usant de la palette mordante d'un Goya, Buñuel ne cesse d'attaquer une société bourgeoise, toujours étudiée et critiquée dans ses rapports proches ou lointains avec le christianisme. Il est satirique avec humour, un humour toujours noir, n'hésite pas à pousser la cruauté jusqu'aux approches du sadisme, crée un monde de malaise et d'étrangeté par l'emploi obsessionnel d'objets fétiches, attaque avec une joyeuse férocité le conformisme social et l'aliénation religieuse.

Après avoir tourné en France le Journal d'une femme de chambre (1964) [d'après Octave Mirbeau et avec Jeanne Moreau dans le rôle principal] et Belle de jour (1967) [d'après Joseph Kessel], qui remporte le grand prix du Festival de Venise, Buñuel annonce qu'il abandonne le cinéma. Mais, revenant sur sa décision, il réalise en 1968 la Voie lactée, en 1969 Tristana (d'après Benito Pérez Galdós), en 1972, Le Charme discret de la Bourgeoisie, en 1974 Le Fantôme de la liberté et en 1977 Cet obscur objet du désir. Sollicité, célébré (un Oscar en 1972), il n'en reste pas moins insaisissable, déroutant, irréductible, un esprit libre, unique qui n'a jamais renié ses convictions les plus profondes : « Je suis contre la morale conventionnelle, les fantasmes traditionnels, le sentimentalisme, toute la saleté morale de la société. La morale bourgeoise est pour moi l'antimorale, parce que fondée sur de très injustes institutions, la religion, la patrie, la famille et autres piliers de la société », ni sa foi à l'égard du cinéma : « Il suffirait que la paupière blanche de l'écran puisse refléter la lumière qui lui est propre pour faire sauter l'univers. Mais, pour le moment, nous pouvons dormir tranquilles, car la lumière cinématographique est sûrement dosée et enchaînée. Le cinéma est une arme magnifique et dangereuse si c'est un esprit libre qui le manie. » Et lorsqu'il avoue par boutade : « Je suis toujours athée, grâce à Dieu », ne cherche-t-il pas à déguiser ce qui peut apparaître comme l'une des clefs de son œuvre ?

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BUÑUEL (Luis)

cinéaste mexicain d'origine espagnole (Calanda, Aragon, Espagne, 1900 - Mexico 1983).

Il étudie chez les jésuites, à Saragosse. À Madrid, il se lie à Gómez de la Serna, Federico García Lorca et la génération de 1927. Comme eux, il écrit des poèmes ; il anime en outre la rubrique cinématographique de la Gaceta Literaria (1927) et le premier ciné-club espagnol. À Paris, entre-temps, il est l'assistant d'Epstein. Un chien andalou, écrit en collaboration avec Dalí, facilite son ralliement au mouvement surréaliste. « Le surréalisme m'a révélé que, dans la vie, il y a un sens moral que l'homme ne peut pas se dispenser de prendre, dira-t-il. Par lui, j'ai découvert que l'homme n'était pas libre. » L'Âge d'or (1930) suscite des attaques de la droite et est finalement interdit. Les surréalistes publient un manifeste pour sa défense : « Buñuel a formulé une hypothèse sur la révolution et l'amour qui touche au plus profond de la nature humaine... » Revenu en Espagne, il tourne Terre sans pain, documentaire sur las Hurdes, région déshéritée où la détresse atteint les limites de la bestialité ; le gouvernement républicain l'interdit. Il devient l'homme clé de Filmofono, entreprise madrilène qui veut produire des films populaires et d'une certaine tenue ; à ce titre, il travaille comme producteur exécutif sur quatre longs métrages à la veille de la guerre civile, puis se met à la disposition des autorités républicaines et monte le film de propagande Espagne 1937. La fin du conflit le surprend aux États-Unis, où il travaille au musée d'Art moderne de New York. Il finit par s'installer au Mexique, où il tourne régulièrement de 1946 à 1965, apportant quelques touches personnelles dans la production commerciale de ce pays. Los olvidados(1950), primé à Cannes, rappelle son talent à la critique, mais ne lui assure pas tout de suite une marge d'autonomie plus grande. Il contrôle davantage ses sujets et se permet progressivement plus de liberté dans la mise en scène. La Vie criminelle d'Archibald de la Cruz ouvre la voie aux premières coproductions françaises (Cela s'appelle l'aurore, la Mort en ce jardin, La fièvre monte à El Pao) ; il y aborde des thèmes politiques avec plus de moyens, mais aussi avec plus de lourdeurs et de schématisme. Les coproductions avec les États-Unis (Robinson Crusoé, la Jeune Fille)s'avèrent plus proches de son univers. Nazarin, la meilleure réussite avec El de cette première phase mexicaine, annonce Viridiana, 1961, tourné en Espagne, qui lui vaudra la Palme d'or à Cannes et un nouveau scandale, car le Vatican crie au sacrilège. À plus de soixante ans, Buñuel atteint enfin à l'indépendance nécessaire à l'épanouissement d'une maturité jusqu'alors soumise aux contraintes économiques et artistiques du cinéma.

Un chien andalou et l'Âge d'or préfigurent la matière et le style des grands films ultérieurs. Le premier associe des images oniriques et exalte le désir érotique. Le second dénonce les obstacles rencontrés dans la société bourgeoise et issus de la morale chrétienne. Le réquisitoire s'accompagne d'une subversion des valeurs établies et d'un hommage alors blasphématoire à Sade. Un chien andalou s'écarte du formalisme à la mode au sein de l'avant-garde française. Buñuel ne cultive point l'expérimentation tournant à vide, les effets optiques ou les trucages. Il prétend recréer une réalité poétique, déchirer les voiles de la perception, secouer le spectateur, l'inviter à « voir d'un autre œil que de coutume » (Vigo). L'Âge d'or ne se complaît pas dans l'ambiguïté. Il porte toute la charge libertaire du surréalisme « au service de la révolution ». À l'aube du parlant, il innove par la dissociation du son et de l'image, le dialogue en voix off, l'utilisation de la musique (classique et paso doble). Avec Brahms en contrepoint, le constat détaché de Terre sans pain est d'une férocité à peine retenue. Les bons sentiments ne sont pas de mise et cela fait toute la différence entre Los olvidados et le néoréalisme contemporain. À la pitié et à l'humanisme, Buñuel préfère la lucidité et la révolte. Le père Lizzardi (la Mort en ce jardin), Nazarin et Viridianamontrent que la charité (vertu cardinale du christianisme) est non seulement un palliatif inefficace, mais aussi un instrument de soumission. En politique également, l'humaniste (Cela s'appelle l'aurore), le réformiste (La fièvre monte à El Pao), pourtant sympathiques, aboutissent à l'échec. De l'anticléricalisme (le Grand Noceur, Don Quintin l'amer par ex.), Buñuel passe à une critique des fondements de la civilisation chrétienne ; son rejet du dogme devient attitude philosophique, refus des simplifications, des vérités figées, des oppositions tranchées (la Voie lactée). Le réalisme ne suffit pas, et l'imaginaire aussi fait partie de la réalité. « Le cinéma est la meilleure arme pour exprimer le monde des songes, des émotions, de l'instinct », dit-il. Pendant des années, cette part nocturne de l'humanité ne passe qu'à petites doses dans ses films mexicains, au détour de scènes oniriques ou de rêveries éveillées (Los olvidados, la Montée au ciel). Le désir, refoulé ou assumé, imprègne cependant un nombre croissant de ses personnages (Susana, El bruto, El, les Hauts de Hurlevent, la Vie criminelle d'Archibald de la Cruz, la Jeune Fille).

Après l'Ange exterminateur et Belle de jour, rêve et réalité redeviennent les vases communicants chers à André Breton. Buñuel brouille les cartes, dilue les règles du récit logique, cartésien ; il abandonne la psychologie, la sociologie et autres béquilles de la vraisemblance romanesque, télescope les coordonnées de temps et d'espace, trace des fausses pistes, s'amuse sur des chemins de traverse, oblige enfin le public à entreprendre une réarticulation et interprétation des images, un peu à la manière des romans-maquette-à-monter de Cortázar. Il recourt à des œuvres littéraires, notamment de Pérez Galdós (Nazarin et Tristana),Mirbeau (le Journal d'une femme de chambre), Kessel (Belle de jour), Lou["]ys (Cet obscur objet du désir). Ses adaptations impliquent des remaniements profonds, touchant la structure du récit et les personnages, des transpositions d'époque et de pays. La caméra est souvent en mouvement, mais lentement, sans fioritures, de manière imperceptible, fonctionnelle, limitant par ses recadrages les coupes à l'intérieur des séquences. Ce dépouillement, parfois confondu avec un certain classicisme, s'appuie sur des scénarios fortement charpentés. Buñuel délaisse la progression dramatique et accumule les épisodes, soit en suivant un déplacement temporel et spatial (le voyage, typique du roman picaresque), soit en empruntant une structure plus complexe, dans ses derniers films. De l'Âge d'or au Fantôme de la liberté, il prise les enchaînements au travers d'associations d'images ou d'idées. Ce dernier film pousse à l'extrême l'éclatement des règles narratives ; il frustre volontairement l'attente du spectateur et l'encourage à rompre avec ses habitudes de regard et de compréhension. Le cinéaste aime la symétrie et les structures dualistes dans ses scénarios, pour mieux nier les schémas dualistes de pensée (le bien et le mal se confondent trop dans la vie). Pour ce travail soigné d'écriture, il trouve trois collaborateurs réguliers : Luis Alcoriza (dix films, du Grand Noceur à l'Ange exterminateur, en passant par Los olvidados), Julio Alejandro (les Hauts de Hurlevent, Nazarin, Viridiana, Simon du désert, Tristana) et Jean-Claude Carrière (pour les six films tournés en France, du Journal d'une femme de chambre à Cet obscur objet du désir). L'étrange humanité des films de Buñuel rappelle le Goya des peintures noires et des Caprices. Ces monstres « engendrés par le sommeil de la raison » possèdent une vitalité animale qui fait défaut aux beaux protagonistes dont le réalisateur critique les normes (Nazarin, Viridiana). Marginalisés et rejetés par la société, leur conduite échappe à la dichotomie innocence-perversion, comme chez les enfants pour qui le péché n'existe pas encore. L'abondant bestiaire rassemblé par ce passionné d'entomologie témoigne de la part d'instincts étouffée par les conventions sociales. Admirateur du burlesque américain, Buñuel ne se départit jamais de l'humour. Cela lui permet d'éviter l'esprit de démonstration du film à thèse, tout en abordant les sujets les plus sérieux : le racisme et le colonialisme (Robinson Crusoé, la Jeune Fille) ; les filigranes de la religion (Simon du désert, la Voie lactée) ;la conception patriarcale et possessive de l'amour bourgeois (Tristana, Cet obscur objet du désir) et son corollaire, la dépendance féminine (le Journal d'une femme de chambre, Belle de jour, Tristana) ; le comportement d'une classe sociale, dont le rituel (les repas, l'adultère) sont traqués de l'Âge d'or au Charme discret de la bourgeoisie, en passant par l'Ange exterminateur. On peut déceler dans ses films toute une série de jeux et procédés surréalistes : les objets détournés de leur fonction originelle, les « objets symboliques à fonctionnement multiple », le collage (visuel et/ou sonore), les récits à tiroirs, la parodie, les répétitions, l'accumulation selon le hasard objectif. Au côté rhétorique de la métaphore, Buñuel préfère le pouvoir poétique de l'image surréaliste (passible d'interprétation psychanalytique en tant que symbole inconscient, mais assez éloignée du symbolisme académique). Les éléments personnels, sublimés et transformés, sont nombreux, que ce soit à propos de l'érotisme, de la vieillesse, des inquiétudes politiques et artistiques de l'auteur. Le mystère étant pour lui « l'élément essentiel de toute œuvre d'art », il voudrait apporter au spectateur le doute sur la pérennité de l'ordre existant, selon le mot d'Engels qu'il a repris à son compte. Tout comme jadis il a dynamité le mélodrame de l'intérieur, par l'ironie et la surenchère (Don Quintin l'amer), il cultive les finales en pirouette, démolissant ce qui a précédé (Belle de jour, la Voie lactée) ou faisant rebondir l'action (l'Ange exterminateur). La franchise avec laquelle est abordé l'érotisme, depuis ses manifestations enfantines jusqu'au voyeurisme, à l'onanisme, au fétichisme, au travestissement, n'exclut pas la pudeur et le recours à la suggestion, voire à la gravité, car il est conscient du lien conflictuel entre Éros et Thanatos (la Vie criminelle d'Archibald de la Cruz, l'Ange exterminateur, Belle de jour). Sollicité, célébré (un Oscar en 1972), il n'en reste pas moins insaisissable, déroutant, irréductible : un esprit libre, unique.

Films  :

Un chien andalou (1928) ; l'Âge d'or (1930) ; Terre sans pain (Las Hurdes / Tierra sin pan, DOC, 1932) ; Gran Casino (1946) ; le Grand Noceur (El gran calavera,1949) ; Los olvidados (id., 1950) ; Susana la perverse(Susana, demonio y carne, id.) ; Don Quintin l'amer (La hija del engaño / Don Quintin el amargao, 1951) ; Pierre et Jean (Cuando los hijos nos juzgan / Una mujer sin amor, id.) ; la Montée au ciel (Subida al cielo, id.) ; l'Enjôleuse (El bruto, 1952) ; Robinson Crusoé (id., id.) ; Tourments (El, 1953) ; les Hauts de Hurlevent (Abismos de pasión/Cumbres borrascosas, id.) ; On a volé un tram(La ilusión viaja en tranvía, id.) ; le Rio de la Mort (El río y la muerte, 1954) ; la Vie criminelle d'Archibald de la Cruz (Ensayo de un crimen, 1955) ; Cela s'appelle l'aurore (1956 ; FR/ITAL) ; la Mort en ce jardin (id. ; FR/MEX) ; Nazarin (id., 1958 ; MEX) ; La fièvre monte à El Pao (1960 ; FR/MEX) ; la Jeune Fille (The Young One, id. ; MEX) ; Viridiana (id., 1961 ; ESP/MEX) ; l'Ange exterminateur (El ángel exterminador, 1962 ; MEX) ; le Journal d'une femme de chambre (1964 ; FR/ITAL) ; Simon du désert (Simón del desierto, 1965 ; MEX) ; Belle de jour (1967 ; FR/ITAL) ; la Voie lactée (1969 ; FR/ITAL) ; Tristana (id., 1970 ; FR/ITAL/ESP) ; le Charme discret de la bourgeoisie (1972 ; FR) ; le Fantôme de la liberté (1974 ; FR) ; Cet obscur objet du désir (1977 ; FR).

Juan Luis Buñuel s’efface à l’âge de 83 ans (1934-2017)

Posté par vincy, le 12 décembre 2017

Dans l'indifférence générale, le réalisateur et scénariste français Juan Luis Buñuel est mort le 6 décembre dernier, le même jour que Johnny Hallyday. Son décès a été annoncé dans la presse espagnole le 8 décembre. Né le 9 novembre 1934, le fils de Luis Buñuel et père de Diego Buñuel venait de fêter ses 83 ans.

Photographe, sculpteur, peintre, scénariste, réalisateur, documentariste et même acteur (Henry et June, L'aventure c'est l'aventure), ce touche-à-tout qui avait vécu en France, aux États-Unis et au Mexique a commencé en étant l'assistant réalisateur de son père en 1960 pour La jeune fille. Avec lui, il a travaillé sur Viridiana, Le journal d'une femme de chambre et Cet obscur objet du désir. Il assista aussi Louis Malle (Viva Maria!, Le voleur), Henri Verneuil et Luigi Comencini.

A partir de 1966 il réalise quelques courts documentaires avant de se lancer dans une fiction longue, Au rendez-vous de la mort joyeuse, récompensé à Sitges, avec Françoise Fabian. Il signe ensuite La femme aux bottes rouges en 1974, avec Catherine Deneuve et Fernando Rey, Léonor en 1975 avec Michel Piccoli, Ornella Muti et Liv Ullmann, et La rebelión de los colgados 1986.

Très vite, il se tourne vers la télévision pour des téléfilms ou des séries. Il prend sa retraite il y a 20 ans.

Les reprises de l’été: Belle de jour de Luis Bunuel

Posté par vincy, le 2 août 2017

Ce qu'il faut savoir: Restauré en 4K, Belle de jour, chef d'œuvre atemporel de Luis Bunuel a eu les honneurs de Cannes Classics cette année pour célébrer son cinquantième anniversaire. A sa sortie, le film avait été sacré par un Lion d'or à Venise (en plus du prix Pasinetti) et Catherine Deneuve avait obtenu une nomination comme meilleure actrice aux BAFTAS. C'est en fait avec le temps que Belle de jour est devenu culte. Même si le film a été un gros succès en France (2,2 millions de spectateurs en 1967, soit davantage que Les demoiselles de Rochefort sorti la même année), sa réputation a surclassé de nombreux films du cinéaste. Lors de sa re-sortie aux Etats-Unis en 1995, parrainé par Martin Scorsese, le film avait rapporté près de 5M$ au box office nord américain, soit l'un des plus gros scores des années 90 pour une re-sortie (et de loin la plus importante recette cette année-là puisque La horde sauvage, 2e des re-sorties n'avait récolté que 700000$). William Friedkin considère que c'est l'un des plus grands films du cinéma. Carlotta films et StudioCanal vous proposent de le (re)voir en salles dès le 2 août.

Le pitch: La belle Séverine est l’épouse très réservée du brillant chirurgien Pierre Serizy. Sous ses airs très prudes, la jeune femme est en proie à des fantasmes masochistes qu’elle ne parvient pas à assouvir avec son mari. Lorsque Henri Husson, une connaissance du couple, mentionne le nom d’une maison de rendez-vous, Séverine s’y rend, poussée par la curiosité. Elle devient la troisième pensionnaire de Mme Anaïs, présente tous les jours de la semaine de quatorze à dix-sept heures, ce qui lui vaut le surnom de « Belle de jour »…

Pourquoi il faut le voir? Pour Bunuel. Pour Deneuve. Pour tous les comédiens. Pour cette formidable interprétation visuelle et érotique du fantasme et de l'inconscient. On ne sait par où commencer. Il y a tellement de bonnes raisons de voir Belle de jour. Aujourd'hui encore, iil reste un modèle dans le registre de la fantasmagorie. Si le film atteint un tel équilibre entre le sujet, la mise en scène et l'interprétation (au point que Belle de jour et Catherine Deneuve fusionneront en un même symbole iconique), c'est sans doute parce qu'il s'affranchit de toutes les audaces, tout en étant formellement inventif et relativement pudique. Malgré sa perversité, c'est la poésie que l'on retient, cet onirisme si souvent plagié par la suite. Malgré l'aspect délirant du récit, c'est une succession d'abandons et de fêlures qui retiennent l'attention. Il y a une liberté absolue : celle à l'écran et celle qu'on laisse au spectateur.

"Son héroïne est à la fois maître de son destin, et maîtresse soumise aux vices des autres. Il n'y a rien de manichéen, car il ne fait que démontrer l'inexplicabilité de la sexualité. Avec un sens subtil du bon goût, le cinéaste espagnol parvient à nous exhiber des perversions qu'il ne juge jamais, mais qui accentuent le surréalisme du film" peut-on lire sur notre critique. "Bunuel réussit à composer un puzzle où puiseront nombre de cinéastes pour éclater leur narration et mieux fusionner le langage irrationnel du cinéma avec les logiques individuelles d'un personnage. Un portrait presque inégalable qui en dit bien plus sur rouages, les blocages et les engrenages de la psychologie d'une femme que de nombreux films bavards ou livres savants."

Et puis s'il faut un ultime argument, combien de films affichent au générique Deneuve, Piccoli, Jean Sorel, Geneviève Page, Francisco Rabal, Pierre Clementi, Françoise Fabian, Macha Méril et Francis Blanche?

Le saviez-vous? Un "roman de gare" de Joseph Kessel, des producteurs réputés commerciaux. Il n'y avait qui prédestinait Belle de jour à être un chef d'œuvre du cinéma. Co-écrit par Bunuel et Jean-Claude Carrière (c'est leur deuxième collaboration ensemble), le film s'est pourtant affranchi de toutes les contraintes. Même les pires. A commencer par la censure qui imposa des coupes au réalisateur (qu'il regrettera plus tard), notamment la scène entre Séverine et le Duc. On su plus tard que le tournage fut tendu. Les producteurs faisaient tout pour isoler le cinéaste de ses comédiens, entraînant malentendus et manque de confiance. Deneuve, à l'époque 23 ans, se sentait très vulnérable, et même en détresse, selon ses propres confidences. "J'étais très malheureuse" expliquait-elle, sentant qu'on abusait d'elle et qu'on réclamait d'elle toujours plus, notamment en l'exposant nue (il y a quelques subterfuges dans le film). Bunuel en avait conscience. Même si le tournage a été tendu, si l'actrice craignait son réalisateur, et si Deneuve et Bunuel avait un souci de compréhension dans leurs attentes respectives, cela ne les a pas empêché de tourner Tristana par la suite. Elle l'a toujours cité parmi les "cinéastes qui l'ont faite", aux côtés de Demy, Truffaut et Polanski. Elle avait accepté le rôle sans hésiter, alors que le personnage était très loin de l'image qu'elle véhiculait. Vierge et putain, et comme disait Truffaut: "Ce film coïncidait merveilleusement avec la personnalité un peu secrète de Catherine et les rêves du public."
Les deux scénaristes ont cependant pris soin d'interroger des tenancières de maisons closes sur les habitudes des clients et de nombreuses femmes sur leurs désirs. Dans ce film, le "vrai" est une fiction tandis que l'imaginaire est "réel".

Bonus: Grâce à Carlotta Films et StudioCanal, certaines salles diffuseront une rétrospective du cinéaste Luis Bunuel, "Un souffle de libertés", avec "6 œuvres majeures et anticonformistes", soit l'apogée d'une immense carrière en liberté (et les plus belles actrices françaises au passage): Le Journal d’une femme de chambre, La Voie lactée, Tristana, Le Charme discret de la bourgeoisie, Le Fantôme de la liberté, Cet obscur objet du désir.