Mica romanta (reg.George Roy Hill, 1979)

coloana sonora: 40,36 min.

https://www.youtube.com/watch?v=09BUoMVHp2Q

I Love You, je t'aime (A Little Romance) est un film franco-américain réalisé par George Roy Hill, sorti le 27 avril 1979. Le film est une adaptation du roman de Patrick Cauvin, E=mc2 mon amour.

Synopsis

Un garçon français, Daniel, et une fille américaine, Lauren, deux adolescents surdoués, sont chacun venus étudier à Paris. Ils se rencontrent et c'est le début d'une histoire d'amour. Ils feront ensuite la connaissance de Julius avec qui ils se lient d'amitié et prennent plaisir à écouter ses contes. Tentant de solidifier leurs amours idyliques d'adolescents, ils séjournent à Venise et réagissent contre un monde d'adultes qui ne comprend rien à la philosophie et à la cinéphilie, leurs passions.

A Little Romance

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A Little Romance
Theatrical release poster
Directed by	George Roy Hill
Produced by	Robert L. Crawford Yves Rousset-Rouard
Screenplay by	Allan Burns George Roy Hill
Based on	E=mc2 Mon Amour 1977 novel by Patrick Cauvin
Starring	Laurence Olivier Thelonious Bernard Diane Lane Arthur Hill Sally Kellerman
Music by	Georges Delerue
Cinematography	Pierre-William Glenn
Edited by	William H. Reynolds
Production company	Orion Pictures
Distributed by	Warner Bros.
Release date	April 27, 1979 (USA)
Running time	108 minutes

A Little Romance is a 1979 American Technicolor and Panavision romantic comedy film directed by George Roy Hill and starring Laurence Olivier, Thelonious Bernard, and Diane Lane in her film debut. The screenplay was written by Allan Burns and George Roy Hill, based on the novel E=mc² Mon Amour by Patrick Cauvin. The original music score was composed by Georges Delerue.^[2][3] The film follows a French boy and an American girl who meet in Paris and begin a romance that leads to a journey to Venice where they hope to seal their love forever with a kiss beneath the Bridge of Sighs at sunset.

The film won the 1979 Academy Award for Best Original Score for Georges Delerue and received an additional nomination for Best Adapted Screenplay for Allan Burns.^[4] It also received two Golden Globe Award nominations for Best Supporting Actor for Laurence Olivier and Best Original Score for Delerue.^[5] As the film's young leads, Thelonious Bernard and Diane Lane both received Young Artist Award nominations as Best Actor and Best Actress respectively, as well as earning the film a win as Best Motion Picture Featuring Youth.^[6] It was the first film released by Orion Pictures.

Plot

Told her family will be returning to America soon, Lauren hatches a plan to travel to Venice with Daniel. Though they have money from a horse race (in which Julius actually loses the money betting on their chosen horse, but steals the money to take the trip by picking the pockets of the racegoers), they cannot cross the border without an adult. With Julius's help, the pair travel by train but miss their connection to Verona after Julius gets into a conversation during the stop at the Italian border. In the meantime, Lauren's family spark an international investigation, believing she has been abducted.Lauren King (Diane Lane) is a highly "book-smart" and affluent 13-year-old American girl living in Paris with her mother (Sally Kellerman) and stepfather (Arthur Hill). Daniel Michon (Thelonious Bernard) is a "street-smart" 13-year-old French boy who also lives in Paris with his father, a taxi driver. The two meet in the Château de Vaux-le-Vicomte, where Lauren's mother is becoming romantically interested in the director of the movie being filmed there, and where Daniel is taking a school trip, and they fall in love. Lauren and Daniel soon meet Julius Santorin (Laurence Olivier), a quirky but kind elderly man, literally by accident. Daniel is unimpressed by him, but he fascinates Lauren with stories of his life, telling of a tradition that if a couple kiss in a gondola beneath the Bridge of Sighs in Venice at sunset while the church bells toll, they will be in love forever. Daniel punches George, the sleazy movie director friend of Lauren's mother, at Lauren's birthday party for making a crude innuendo about Lauren, and the two are forbidden to date. Lauren's mother fiercely objects to the romance.

They hitch a ride with a couple of American tourists, Bob and Janet Duryea (Andrew Duncan and Claudette Sutherland), who are headed to Venice. In Verona, the travelers go out to dinner together, where Bob discovers that his wallet has been stolen. Even though their winnings from the horse race were left on the train in Julius's vest, Julius offers to pay the bill with cash, perplexing Lauren and irritating Daniel, who suspects he stole it. The following morning at breakfast, the Duryeas notice Lauren's picture in an Italian newspaper, revealing her as a missing child. Julius has also seen the paper and intercepts Lauren and Daniel on their way back to the hotel, angry that Lauren lied to him about their true reason for going to Venice and that everyone will think he's a kidnapper.

Because they cannot go back to the hotel, they join a local bicycle race to escape Verona. Julius soon falls behind and Lauren persuades Daniel to go back for him. They find him collapsed from exhaustion. Daniel worms his background out of Julius, who also confesses that he both picked Bob's pocket and stole the money for their train tickets, disappointing Lauren. Lauren then reveals that she will be moving back to the United States permanently in two weeks. She wanted to take a gondola to the Bridge of Sighs and kiss Daniel so as they could love each other forever. She berates Julius by dismissing all his stories as lies. Julius admits he lied about some things but insists the legend is true. Daniel decides he still wants to go to Venice with Lauren, and Julius joins them.

In Venice, they spend the night in St Mark's Basilica, until a chance meeting with the Duryeas sets them on the run again hours before sunset. Julius hides them in a movie theater and gives them his remaining cash, promising to return a half-hour before sunset. As soon as they are inside, however, Julius turns himself in to police searching for them; despite being slapped around by an inspector, he refuses to reveal Lauren and Daniel's whereabouts. The two children fall asleep during the film and wake with just a few minutes remaining. Lauren and Daniel run to find a gondola, but most are already taken. They finally find an available gondolier; he takes them within sight of the bridge, but refuses to go further just as sunset arrives. Daniel pushes him into the canal and, as the bells of the Campanile begin chiming, the two pull the gondola by hand along the pilings toward the bridge; this successfully enables the gondola to glide under the bridge. While the bells are still pealing, Lauren and Daniel kiss and embrace. In the police station, Julius finally reveals the two children's whereabouts.

A few days later, Lauren is preparing to leave for home with her mother and stepfather. As she starts to get in the car, Lauren notices Daniel across the street waiting to say goodbye to her. Her mother starts to object, but her stepfather tells Lauren to go ahead, having warmed to the boy. She and Daniel share a final kiss, pledging not to become “like everybody else.” Lauren tearfully bids farewell to Julius, who is sitting on a nearby bench. She runs back to the car, and Daniel follows it as it leaves, he and Lauren waving at each other. (W.eng.)

Puntea Suspinelor (Venetia)

Puntea Suspinelor (în italiană Ponte dei Sospiri) a fost construită în 1600 pentru a uni camerele de interogare din Palatul Dogilor cu închisoarea, palatul fiind despărțit de aceasta doar printr-un canal (rio de la Canonica).

Podul a fost, de fapt, botezat de poetul englez Lord Byron într-unul dintre poemele sale din secolul al XIX-lea:

„Am stat în Veneția pe Puntea Suspinelor,

Palat, de-o parte și temniță de alta”

Descriere și istoric

Puntea Suspinelor este construită din piatră de Istria, în stil baroc, și a fost realizată la începutul secolului al XVII-lea (în anii 1600-1603) de către arhitectul Antonio Contin, fiul lui Bernardino Contin, la ordinul dogelui Marino Grimani, a cărui stemă este sculptată pe structura podului.

Acest pod faimos al Veneției, situat la mică distanță de Piața San Marco, traversează rio di Palazzo legând printr-un pasaj dublu Palatul Dogilor de Prigioni Nuove, prima clădire din lume construită special pentru a fi folosită ca închisoare. În timpul Serenissimei, podul a fost folosit ca pasaj de trecere al deținuților din închisoare către birourile anchetatorilor de stat unde urmau a fi judecați.

Cunoscut în întreaga lume, el este fotografiat de turiștii de pretutindeni din doar două locuri de unde este observabil (în afară de cei din gondole), adică de pe ponte della Canonica și de pe ponte della Paglia. Potrivit legendei, numele său se referă la suspinele condamnaților la moarte care mergeau pe ultimul drum de la Palatul Dogilor către locul în care erau executați. Astfel, ei puteau să vadă pe Puntea Suspinelor pentru ultima oară lumina soarelui, priveliștea mirifică a lagunei și insula San Giorgio Maggiore. Cu toate acestea, legenda pare total lipsită de temei, deoarece din interiorul pasajului se vede foarte puțin în exterior. Termenul sospiri indică ultimele respirații ale condamnatului către lumea liberă, pentru că o dată condamnat în Republica Dogilor nu te mai puteai întoarce înapoi.(W.ro.)

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Mica romanta (reg.George Roy Hill, 1979)

"Le vert paradis des amours enfantines"

Laurence Olivier, né le 22 mai 1907 à Dorking dans le Surrey et mort le 11 juillet 1989 à Ashurst (Sussex de l'Ouest), est un comédien, metteur en scène, directeur de théâtre, réalisateur et scénariste britannique.

Romanul picaresc transpus cinematografic

ROMAN PICARESC / CINEMA

Romanul picaresc, aparut pentru prima data in Spania secolului al XVI-lea, are la baza povestirea autobiografica a vietii unui erou de extractie modesta  dar inzestrat cu calitati remarcabile(dublate de o lipsa de scrupule funciara) care il ajuta sa treaca cu bine prin aventuri pitoresti si extravagante. Episoadele narative abundente unite adesea prin tehnici ingenioase de aglutinare diegetica  sunt tot atatea pretexte de a prezenta tablouri de epoca si scene de moravuri amuzante si instructive. Relatari de calatorie, galerii de caractere variate si interesante prospectiuni sociologice, romanele picaresti au constituit nu doar o lectura pasionanta pentru cititorii secolelor XVI-XIX dar si o materie prima pentru scenaristii si regizorii secolului XX.  

Literatura

Lesage, Gil Blas de Santillane (1715-1735)

Daniel Defoe,  Moll Flanders (1722)

   

Marivaux, Taranul parvenit (1735)

Henry Fielding, Tom Jones (1749)

Jean Potocki,  Manuscris gasit la Saragosa (1797-1815)

William M. Thackeray, Barry Lyndon (1844)

Film

Les Aventures de Gil Blas de Santillane, film francez regizat de René Jolivet in 1955 dupa romanul lui Alain-René Lesage.

The Amorous Adventures of Moll Flanders, film istoric britanic regizat de Terence Young dupa romanul lui Daniel Defoe.

Le paysan parvenu, adaptare pentru televiziune realizata de regizorul francez  René Lucot in 1960.

Tom Jones este un film britanic de comedie din 1963, regizat și co-produs de Tony Richardson.

Rolurile principale au fost interpretate de actorii Albert Finney, Susannah York și Hugh Griffith. A câștigat Premiul Oscar pentru cel mai bun film. Scenariul este scris de John Osborne după romanul Tom Jones (1749) de Henry Fielding.

Le Manuscrit trouvé à Saragosse (Rękopis znaleziony w Saragossie) este un film polonez regizat de  Wojciech Has sorti en 1965  cu un scenariu de Tadeusz Kwiatkowski dupa romanul Manuscrit trouvé à Saragosse de Jan Potocki.

Barry Lyndon, film din 1975 scris si regizat de Stanley Kubrick dupa romanul lui William Makepeace Thackeray, The Luck of Barry Lyndon.

Stanley Kubrick / BARRY LYNDON

L'HISTOIRE

L’Irlande au milieu du 18ème siècle. Redmond Barry vit avec sa mère depuis que son père a été tué dans un duel au pistolet. Amoureux de sa cousine, Redmond Barry provoque en duel le riche capitaine Quinn qui la courtise. Redmond, croyant avoir tué Quinn, quitte l’Irlande et s’engage dans l’armée : c’est son premier contact avec la brutalité de la vie militaire. Pour regagner l’Irlande, il vole un uniforme d’officier et déserte. Très vite, il est démasqué par un capitaine prussien qui lui ordonne de s’engager sous son drapeau ; dans le cas contraire, il serait alors dénoncé aux autorités britanniques. Après avoir sauvé la vie du capitaine prussien, ce dernier l’engage comme mouchard. Lors de sa première mission, Redmond doit espionner le chevalier de Balibari mais à ce dernier, Irlandais lui aussi, Redmond avoue la vérité. Balibari et Redmond s’associent et parcourent l’Europe, exploitant sans vergogne la passion du jeu de leurs contemporains. Un soir à Spa, Redmond aperçoit la belle Lady Lyndon qui s’ennuie avec son mari âgé. Redmond charme Lady Lyndon et, dès la mort de son mari l’épouse au grand regret de son fils Lord Bullington. Redmond Barry devient Barry Lyndon. Lady donne un fils à Barry : Bryan. Barry, très attaché à son fils, agit par contre comme un goujat avec sa femme, dilapidant tout son argent. Dans le même temps, une haine grandit entre Barry et Lord Bullington. A l’âge de huit ans, le petit Bryan meurt accidentellement ; Barry tombe alors dans la débauche et Lady dans la dépression. Bullington a grandi, il provoque son beau-père en duel et le blesse à la jambe. Barry ne pourra échapper à l’amputation. Bullington reprend ses biens et Redmond, abandonné de tous, devra regagner l’Irlande s’il souhaite que lui soit versée une pension.

ANALYSE ET CRITIQUE

 

Stanley Kubrick est obnubilé depuis plusieurs années par l’envie de réaliser un film sur Napoléon. En 1974, ce projet a toutes les apparences d’une concrétisation mais cependant beaucoup trop coûteuse et peu rentable pour la Warner. Certains critiques en parlent déjà comme "Apparemment aussi interminable que le désert de Gobi… un navet de dimension colossale, étendant des racines sur des centaines de kilomètres avant de sortir de terre". Malgré ces attaques, avant même que le projet soit officiellement lancé, Kubrick ne baisse en aucun cas les bras (c’est mal le connaître) mais il se met à chercher un nouveau film à offrir à la Warner. Cette dernière pourrait alors financer et exploiter ses montagnes de recherches sur Napoléon. Le film sera une adaptation du roman Les mémoires de Barry Lyndon de Thackeray. "Ce roman me plaisait, c’est tout ce que je peux dire" : voilà simplement pourquoi Kubrick décide d’adapter ce roman sur lequel il tomba par hasard, un livre très peu connu et peu réédité depuis le 19ème siècle.

 

Pourtant il n’est pas difficile de comprendre pourquoi Kubrick a décidé d’adapter cet ouvrage. En effet, en plus du cadre napoléonien, Gene Phillips fait remarquer que le cinéaste "reprend un thème qui apparaît dans les meilleures œuvres du réalisateur, à savoir que les projets les mieux préparés tournent souvent mal à cause de l’erreur humaine, et donc que l’homme est souvent contrecarré dans ses efforts pour atteindre ses buts". Tout au long de l’aventure, Barry, sans s’en rendre compte, est lui-même son pire ennemi. Ce personnage fabuleusement interprété par Ryan O’Neal (qui connut un grand succès avec Love Story d’Arthur Hiller) fait penser dans son attitude "je me fous pas mal du monde" à Stanley Kubrick. N’y a-t-il pas une tangente autobiographique dans cette adaptation ?

 

Pour le cinéaste, le meilleur roman pour faire un film n’est pas un roman d’action mais, au contraire, un roman tourné vers la vie intérieure de ses personnages. C’est pour cette raison qu’il a décidé de porter à l’écran les aventures désenchantées de cet antihéros. Ce film, qui a demandé un an de préparation et 250 jours de tournage, en Irlande, en Grande-Bretagne et en RDA, avec un budget de départ fixé à 2.5 millions de dollars qui atteindra finalement 11 millions de dollars, est son dixième long métrage réalisé en 1975 après Orange mécanique. Il souligne une nouvelle fois le talent visuel (évoquant la grande peinture des siècles passés, les maîtres anglais et flamands, les Gainsborough, Ruysdael, Hals ou Constable) et la maîtrise de la mise en scène de ce génie du cinéma. "Stanley voulait que ce soit d’une certaine façon un documentaire sur le 18ème siècle…" déclare Ken Adam, le chef décorateur du film. Un "documentaire" puisqu’il s’agit d’un "voyage dans le passé" ; ce sera un ensemble de décors, de costumes, d’accessoires "vrais", mais aussi des comportements, des gestes, "l’air du temps" en quelque sorte… Kubrick se concentre tout d’abord sur ses interprètes car ce sont les personnages, les situations et les décors qui, à ses yeux, prédominent sur la future réalisation. Il attend beaucoup de ses comédiens, ce qui lui valut souvent de passer pour un dictateur sur un plateau. Lors du tournage, il eut d’ailleurs parfois des rapports conflictuels avec Marisa Berenson, interprète de Lady Lyndon.

 

Le travail excessif qu’a fourni Kubrick répond à une exigence voulue par le cinéaste pour être au plus près d’une époque, mais surtout pour que Barry Lyndon soit "un film de Stanley Kubrick", c’est à dire une œuvre exceptionnelle et qui se démarque de ses contemporains par ses aspects singuliers. Je vais justifier mon propos à l’aide d’une des scènes qui m’a profondément touché, la scène de séduction entre Lady Lyndon et Barry lors de la partie de cartes (chapitre 26 à 1h29min50s). En effet, de très nombreuses séquences du film marquent à jamais l’esprit du spectateur tant le travail du cinéaste est riche. Dans cette scène en particulier, la lumière naturelle, la musique poétique au climat tragique, les costumes et le détail dans l’expression des visages, soulignent avec justesse le propos, l’émotion et la période que Kubrick veut nous montrer. Je ne vais pas m’attarder à me lancer dans une analyse précise, tant il y a de choses à dire, et parce que beaucoup l’ont déjà fait avant moi, mais ici, comme le souligne Michel Ciment, Kubrick nous plonge dans une ambiance proche du cinéma muet.

 

La force de la scène, c’est sa lumière naturelle à la bougie, la musique avec le Trio avec piano de Schubert et le visage des protagonistes. Dans ce passage, tous les éléments, les personnages, les sons vont graduellement s’effacer pour que s’impose le jeu de regard entre Lady Lyndon et Barry : la valeur du cadre se resserre progressivement, on part d’un plan moyen pour arriver à un plan rapproché poitrine, en faisant fi de tout ce qu’il y a autour afin de laisser vivre les deux regards d’abord timides puis soutenus. La profondeur de leurs regards est immense et comment, entre les flammes des bougies (annonçant celles du désir), ne pas succomber au charme mélancolique de Marisa Berenson et à celui de Ryan O’Neal, brillant d’éclat. Après la dominante orange de la scène d‘intérieur, les deux amants se retrouvent sur le balcon baigné par une lumière "bleue de lune". Tous deux se rapprochent et s’embrassent sur cette terrasse à la couleur sensuelle et romanesque. Une attirance, qui sera uniquement physique, est née.

 

Je voudrais revenir sur l’idée de lumière naturelle à la bougie qui est une des caractéristiques du film. En travaillant sur ce long métrage, le chef opérateur John Alcott a marqué une date dans l’histoire du cinéma contemporain. Alcott et Kubrick ont opté pour la lumière naturelle et non pour un éclairage artificiel qui, souvent, éclaire un décor historique comme un décor moderne. Kubrick veut être dans "l’air du temps" comme l’a précisé Ken Adam et, au 18ème siècle, on s’éclaire à la bougie. Ainsi, pour être le plus réaliste possible, John Alcott, sous l’exigence de Kubrick, va éclairer les scènes d’intérieurs à la bougie. Le réalisateur cherche à innover dans chacun de ses films, poussant les limites toujours plus loin : "une pièce entièrement éclairée aux bougies, c’est très beau et complètement différent de ce que l’on voyait d’habitude au cinéma". Pour réaliser cette prouesse, Kubrick a cherché un objectif particulier dans le monde entier. Après plusieurs mois de recherche, il finit par en trouver un appartenant à la NASA avec une ouverture de diaphragme incroyable de 0,7 (50 mm. Zeiss, F 0.7). Il doit sacrifier la caméra Mitchell qu’il a achetée pour le tournage d'Orange mécanique afin de pouvoir y fixer cet objectif. Ceci est le genre de défi qu’aime affronter Kubrick : la mise au point de l’objectif a pris trois mois mais le résultat parle de lui-même. Aucun film, encore aujourd’hui, n’a réussi à restituer une lumière à la bougie aussi naturelle.

 

Une autre particularité propre à l’esthétique du cinéaste, et que l’on retrouve dans plusieurs de ses films, c’est l’utilisation du zoom qui permet le passage d’un point de l’espace à un autre. Ainsi chaque plan devient une composition, enrichissant la construction de l’image et donc le rendu visuel (deux bons exemples, chapitre 8 à 20'16" et chapitre 32 à 1h45'01"). Le choix du zoom lui offre la possibilité d’éviter d’avoir un montage trop découpé et permet ainsi de garder une certaine douceur et fluidité. Ce calme hiératique qu’on a pu lui reprocher, va devenir avec le temps une des qualités les plus mémorables du film. On peut noter des moments très actifs qui contrastent avec l’ensemble : la séquence de la bagarre avec le soldat Toole (chapitre 12 à 0h35min57s) est très dynamique, tournée entièrement caméra à l’épaule ; la dispute entre Barry et Lord Bullington est filmée de la même manière (chapitre 37 à 2h09'46").

Rares sont les images des films de Kubrick qui n’aient pas été cadrées par ses soins. Les plans d’extérieurs du film sont tournés avec une focale de 18 ou 25 mm, ce qui lui permet de mettre en relief la profondeur de champ dans le décor. Ces plans larges sont d’une grande virtuosité picturale et nous donnent une impression de peintures filmées. Ceci est une caractéristique propre à tous ses films. Dans Barry Lyndon, on peut l’admirer dès le premier plan (le duel) et, entre autres, lors des transitions.

 

Kubrick nous offre une œuvre de très grande qualité visuelle mais on ne peut pas passer outre la bande son richement variée utilisant des musiques de compositeurs aussi différents que Bach, Frederick II de Prusse, Haendel, Mozart, Paisiello, Schubert, Vivaldi... Pour le cinéaste, la musique sert à la fois d’accompagnement de l’image cinématographique, mais aussi comme modèle de communication c’est à dire qu’il vise un cinéma qui fonctionne moins au niveau du rationnel qu’au niveau de l’affectif. La musique joue un rôle majeur dans la narration et dans le climat mélancolique de l’œuvre. Le propos de Kubrick est une nouvelle fois adapté à ses exigences par le fait de choisir une musique liée à l’époque du film. Outre la musique, le réalisateur utilise comme autre particularité sonore la voix off. Elle est déjà employée dans neuf autres de ses films afin de créer une distance par rapport aux personnages et aux situations. Ici, un commentaire désabusé à la troisième personne, magnifiquement lu par Michael Hordern, établit un parallèle entre le dit et le montré afin de souligner l’événement à venir (le commentaire intervient généralement un peu avant l’action) et de lui donner plus de force. Le film repose en effet sur un savant équilibre entre un discours extérieur à l’action, qui commente le cours des choses, et une participation plus classique grâce à l’entremise des plans rapprochés (taille ou poitrine 50 ou 36.5 mm de focale), de découpage au plus près des regards, des gestes, de la tension des évènements. L’importance narrative et émotionnelle de l’image est constante.

 

Barry Lyndon oscille entre deux points de vue, refusant la dramaturgie conventionnelle de la transparence : soit nous sommes dans l’iconographie historique, soit nous sommes dans le pur subjectif. C’est une œuvre inclassable qui peut paraître déroutante et c’est ce qui a dérangé certains spectateurs à sa sortie.

Ce destin est l’illustration d’une leçon générale. Pour Kubrick, chacun de ses films pourrait se résumer ainsi : "voici comment on fabrique un homme – tous les hommes" ; ou bien : "voici comment on fait, on tente de faire un homme nouveau" ; Ou encore, pour citer Nietzsche, "Voici comment on devient ce qu’on est…".

Barry Lyndon est la transposition épique de nos situations; le tiraillement d’un héros entre destin et image sociale : Barry veut agir sur sa destinée afin de jouir de la vie. Pourtant cet idéal se dérobe et la vie s’acharne contre lui : il subira jusqu’au bout les effets de ses diaboliques entreprises. Ce chef-d’œuvre est, de mon point de vue, le meilleur film de Stanley Kubrick avec 2001 : l’Odyssée de l’espace.

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https://www.cineclubdecaen.com/materiel/ctfilms.htm

Barry Lyndon (1975)

D'après le roman de Thackeray. Avec : Ryan O'Neal (Redmond Barry), Marisa Berenson (Lady Lyndon), Patrick Magee (Le Chevalier de Balibari), Hardy Krüger (Capitaine Potzdorf), Steven Berkoff (Lord Ludd), Gay Hamilton (Nora Brady), Marie Kean (la mère de Barry). Godfrey Quigley (Le capitaine Grogan), Leonard Rossiter (Le capitaine John Quin) 3h04.

L'Irlande au XVIIIe siècle. Redmond Barry est amoureux de sa cousine, l'aguicheuse Nora. Le capitaine John Quin, lui fait la court et, argent aidant, n'a aucune peine à décider Nora à l'épouser, ce qui effacera par là même les dettes de la famille. Inconsciemment, naïvement et courageusement, Redmond provoque John Quin en duel et le tue lors de l'échange des coups de feu. Il se voit alors contraint de fuir la justice de son pays et, grâce au capitaine Grogan, s'enrôle dans l'armée britannique. Il déserte à la première bataille. Les Prussiens le font prisonnier et le contraignent à servir sous leur drapeau.

Apprenant les usages du monde, Barry s'introduit dans la brillante société européenne. Il devient espion, tricheur, connaît des succès auprès des femmes et chasse de son cœur tout romantisme.

Il assure son avenir en épousant une jeune femme d'une grande beauté, veuve et fort riche : la comtesse de Lyndon.

Ce mariage, qui lui apporte un fils et une fortune considérable, le conduit cependant à sa perte. Il trompe sa femme et s'attire l'inimitié de son beau-fils, Lord Bullingdon. Après la mort de son propre fils, il s'éloigne de plus en plus de son épouse qui tente de se suicider. Blessé par Bullingdon au cours d'un duel, Barry doit quitter l'Angleterre.

 Pour Stanley Kubrick il est très important d'annoncer très à l'avance les événements importants de l'intrigue. Les anecdotes et les renversements de situation sont rendus plus inévitables et réduisent le rôle du "Deux ex machina". On apprend ainsi que le fils de Barry va mourir alors qu'il joue avec lui : cette scène de jeu y gagne une qualité tragique et l'accident ne nous prend pas au dépourvu. Sinon, on se demanderait bien pourquoi, à ce moment de l'histoire, on voit l'homme et l'enfant jouer au croquet. Si l'on présente un film sur le naufrage du Titanic sans vous apprendre qu'il va couler, vous n'éprouverez aucun intérêt pour 90 % des événements avant la rencontre avec l'iceberg !

Barry est de plus en plus seul. Les circonstances font qu'au début il a des gens à qui parler. Mais après son mariage d'argent, il s'isole presque totalement de toute personne avec qui il pourrait avoir une relation de sympathie, à l'exception de son fils (…) C'est une tragédie. Le mélodrame, lui, utilise tous les problèmes et les catastrophes qui frappent les personnages principaux pour montrer que finalement, le monde est un lieu de justice. Mais la tragédie qui essaie de présenter la vie de façon plus honnête et plus proche de la réalité que ne le fait le mélodrame, vous laisse un sentiment de désolation.

Lady Lyndon éprouve pour lui une attirance purement physique. C'est ce qui se passe dans la plupart des cas où une personne est désespérément amoureuse. Les relations masochistes et tragiques que j'ai pu observer reposent essentiellement sur une attirance physique. Il m'a semblé que cela était exprimé de façon élégante et réaliste avec l'aide de Shubert. J'avais d'abord voulu m'en tenir exclusivement à la musique du XVIIIème siècle quoiqu'il n'y ait aucune règle en ce domaine. Je crois bien que j'ai chez moi toute la musique du XVIIIème enregistrée sur microsillons. J'ai tout écouté avec beaucoup d'attention. Malheureusement on n'y trouve nulle passion, rien qui, même lointainement, puisse évoquer un thème d'amour ; il n'y a rien dans la musique du XVIIIème qui ait le sentiment tragique du Trio de Schubert. J'ai donc fini par tricher de quelques années en choisissant un morceau écrit vers 1814.

Stanley Kubrick, entretien avec Michel Ciment, Calman Levy, 1980.

Mr and Mrs Andrews (Thomas Gainsborough, 1749)	Redmond Barry
Joseph charpentier (Georges de La Tour, Vers 1640)	Barry Lyndon

La figure du travelling arrière :

Un immense travelling optique arrière pour ce plan de 45 secondes

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